Die erste, zweite & dritte Instanz — Franziska Nast (7.05.—1.08.2021)
MIt freundlicher Unterstützung von der Stiftung Kunstfonds im Rahmen von Neustart Kultur & der Poolhaus Blankenese Stiftung.
Herrschaften, Sie werden nie etwas vom bunten Stoff des Lebens erhaschen können, wenn Sie sich nicht eines zu Eigen machen: Das Geschlecht regiert das Leben. Die Feder, mit der man seiner Geliebten oder seinem Schuldner schreibt, stellt ein männliches Element dar, und der Postkasten, in den wir den Brief stecken, ein weibliches Element. 4 Und so muss man sich das gesamte Alltagsleben vorstellen. Alle Kinderspiele beispielsweise sind auf Erotismus gegründet (das muss man sich ganz besonders merken). Ein Knabe, der wütend seinen Brummkreisel peitscht, ist ein unbewusster Sadist. Den Ball (bevorzugt größeren Umfangs) liebt er, weil er an die weibliche Brust erinnert. Das Versteckspiel erweist sich als emiratisches (tiefes, geheimes) Bestreben, in den mütterlichen Schoß zurückzukehren. Dieser Ödipuskomplex wird auch in einigen unserer volkstümlichen Schimpfwörter reflektiert. Wohin wir auch das Auge oder den Blick werfen - überall sexuelle Elemente. Wenden wir uns nur ganz gewöhnlichen Berufen zu - da sind sie schon: der Architekt baut ein Haus (lies: macht jemandem den Hof), der Kameramann kurbelt (lies: masturbiert), die Ärztin schaut nach dem Kranken (lies: dieser wird gesund und schaut der Ärztin nach). Philologen bestätigen, dass die Ausdrücke „das Barometer fällt“, „herabgefallenes Blatt“, „gestürztes Pferd“ - Anspielungen (unbewusster Art) auf eine gefallene Frau darstellen. Betrachten Sie auch „Geiger“ und „Lackierer“ unter dem Gesichtspunkt der Sexualfrage. Hierher gehören auch Wörter wie „Spritztour“, „Tiefbohrung“, „Besenritt“. Es gibt auch viele Vornamen, die von Erotismus durchdrungen sind: Minna, Amanda, Bettina, Vicky, und die Spanier haben sogar den Namen „Juan“ (von „Don Juan“). (1931)
Sie scheinen nichts von Freud zu halten?
Das stimmt nicht ganz. Als komischen Autor schätze ich Freud sehr. Wie er die Emotionen seiner Patienten und ihre Träume erklärt, das ist unglaublich burlesk. [Man muss ihn übrigens im Original lesen!] Ich begreife nicht, wie man ihn ernst nehmen kann. Reden wir bitte nicht mehr von ihm. (1975)
(Vladimir Nabokov)
Programm & Text zur Ausstellung
End of Psüch - ICH
Die erste Instanz der dreiteiligen Ausstellung
Anna Lena Grau, Ida Lennartsson, Hannah Rath, Verena Schöttmer, Aleen Solari, Gesa Troch
Installation im Innenhof von Einsiedel & Jung
20. Mai 2021 ab 16:00 Uhr, mit einer Performance von Dancing Queen Maskulin um 20:00 Uhr
Die erste, zweite & dritte Instanz — Franziska Nast (7.05.—1.08.2021)
MIt freundlicher Unterstützung von der Stiftung Kunstfonds im Rahmen von Neustart Kultur & der Poolhaus Blankenese Stiftung.
ICH ist woanders — Das Ich ist ein Work-in-Progress, dessen Weiterentwicklung fraglich und dessen ultimativer Verfall gewiss ist. Auf das Ich dringen aus den dunklen Regionen des Es wüste Triebe und ausgelassene Impulse ein. Von oben herab wirft das Über-Ich das scharfkantige Licht der Zensur wie ein gleißender Kontrollscheinwerfer auf die Wallungen der Lust und der Wut und schaltet sie stumm oder lenkt sie um. Umzingelt von Dionysos und Apollo, der Ausschweifung und der Ordnung, versucht das Ich das Über-Ich abzuhängen und das Es zugleich in Schach zu halten. Sigmund Freuds psychologischem Dreigespann aus hemmungslosem Lustprinzip, gestrenger Überwachung und dazwischen gekeilter Vermittlungsinstanz steht das Selbst gegenüber. Oder vielmehr: Das Selbst steht zugleich innen und außen und schaut in Personalunion aus sich heraus und in sich hinein.
Denn während es das eigene Ich-Sein reflektiert, umspannt das Selbst alles, was dazu gehört. Das Selbst ist sich seiner Handlungen bewusst und betrachtet sie gleichermaßen aus der Distanz, bedient beim Selfie seiner (und ihrer) Selbst den Auslöser und ist simultan das Sujet des von sich ausgehenden Blicks. Auch in den Feldern der Kunst heißt das Resultat des Sich-ins-Bildsetzens eben nicht Ich-Portrait, sondern Selbstportrait, das wiederum von Selbstbefragung bis zu Selbstvergewisserung und Selbstbehauptung rangieren kann. Oder das, wie bei Rembrandt, im rasanten Wechsel der Personifikationen zur Selbsterkundung durchgespielt wird. In seinen Selbstbildnissen setzte sich der niederländische Barockmeister zwischen jungem Draufgänger und Elder Statesman mal kühn, mal keck, mal mit überrascht aufgerissenen Augen, mal würdevoll, mal verschattet, mal herzhaft lachend in Szene und blieb sich dennoch im Wesentlichen treu.
Was Rembrandts Rollentausch im 17. Jahrhundert, Freuds Drei-Instanzen-Modell von 1923 und die Selfies heutiger Instagram-Kultur teilen, ist die Idee, dass das Ich eine Konstruktion ist, die im Selbst(-Bild) zur Anschauung, wenn schon nicht zur Verwirklichung kommt. Sprühen bei Rembrandts malerischen Deklinationen des Selbst auf der Skala von Es bis Über-Ich noch die subversiven Funken des ersteren, wird das Über-Ich in der Selfie-Manie unserer Zeit als umfassende Regieführung der Selbstdarstellung dominant. Die akkurat in Pose gesetzte libidinöse Zügellosigkeit ist hier ebenso sehr eine Maskerade wie die gemainstreamte Visage eines Selbst, das sich hinter den schillernden Fiktionen und Fassaden der Beauty-Filter verschanzt, bevor es vom kühlen Auge der digitalen Öffentlichkeit als perfektionsfern enttarnt werden kann.
Freuds topografisches Konzept platziert das Ich mittig zwischen Es (unten, eher bodensatz- oder höllennah) und Über-Ich (sitzt dem Ich in erhöhter Position buchstäblich auf dem Dach). Im Daueraufnahme-Modus der Smartphone-Selbstportraits verliert sich das Ich derweil in den Testläufen ständiger Visualisierung und Transformation: Ich ist woanders und wabert jenseits von Gut und Böse im virtuellen Raum umher. Beides verhält sich konträr zur ästhetischen Vision des französischen Poeten Arthur Rimbaud. Wie er in einem Brief an seinen Freund Paul Demeny 1871 erklärt, zielt der Dichter auf die „Entgrenzung aller Sinne“: „Denn ICH ist ein anderer. (…) Alle Formen der Liebe, des Leidens, des Wahnsinns; er durchforsche sich selbst, er schöpfe alle Gifte seines Wesens aus und bewahre nur ihre Quintessenz für sich. Unsagbare Folter, für die er seinen ganzen Glauben braucht, seine ganze übermenschliche Kraft, und durch die er unter allen Wesen der große Kranke, der große Verbrecher, der große Verdammte – und der Allwissende wird! – Denn er kommt an im Unbekannten!“*
In Rimbauds Ich-Erweiterung, die als riskante Expedition ins Abgründige mit ungewissem Ausgang angelegt ist, geht der Dichter als „Seher“ und als „Dieb des Feuers“** voran. „Er ist beladen mit der ganzen Menschheit, sogar mit den Tieren; er muß, was er erdichtend entdeckt, fühlbar machen, tastbar, hörbar, und wenn das, was er von da unten heraufholt, Form besitzt, so gibt er es als Form; ist es formlos, dann gibt er das Formlose. – Eine Sprache finden (…).“*** Wenn auch die Zuschreibungen und Verortungen nicht mehr greifen, unten und oben, Ich und Selbst im endlosen Spiegelstadium der gegenseitigen Bebilderung und der Aufhebung herkömmlicher Hierarchien austauschbar geworden sind, so ist doch die Vorstellung und Produktion einer Kunst, in der die Akteur*innen der Entgrenzung, Ausdehnung und Aufweichung ihres Ich Gestalt oder auch Gestaltlosigkeit geben, weiterhin akut. Vor dem expandierenden Horizont unseres unermesslichen, digital reduplizierten Welt-Raums lässt sich ICH als ein in alle Richtungen offenes Agens und Auge weiterdenken, das multiperspektivisch mit sich selbst und vielfältigen Wirklichkeiten in Verbindung steht: zwischen Chaos und Kontrolle balancierend, ein Tanz auf dem Vulkan. (Text: Belinda Grace Gardner)
* Rimbaud an Paul Demeny (Brief vom 15. Mai 1871). Übers. v. Dieter Tauchmann. Arthur Rimbaud. Mein traurig Herz voll Tabaksaft. Gedichte, franz.-dt. Hrsg. und mit einem Essay v. Karlheinz Barck. Leipzig: Reclam, 2003, S. 164f.
** Ebd., S. 166.
*** Ebd.
MARCUS SENDLINGER - PHANTOM RIDE
14.11.2020 bis 16.01.2021
Der Maler, Musiker und Bildhauer Marcus Sendlinger (geb. 1967 in Königstein im Taunus, lebt und arbeitet in Lentzke) collagiert, abstrahiert und rekontextualisiert Relikte des urbanen Lebens, die er auf seinen Reisen sammelt. Bilder von Sonnenuntergängen, Palmen oder Gebirgslandschaften collagiert der Künstler mit dubiosen Werbeanzeigen, Zeitungsausschnitten oder Hotelrechnungen. Der banale Alltag und die reale Welt sind die Inspirationsquelle für Sendlingers prozesshafte Arbeiten, in denen er Siebdruck und Collage mit Malerei verbindet. Er kommentiert damit eine Zeit des überdrehten Überflusses zwischen hoffnungslosem Verfall und fortschreitender Hypermodernität. Als reisender Künstler zelebriert er dabei eine Ambivalenz zwischen Romantik und Abgrund, die seinen Werken innewohnt, und vertraut dem kritischen Blick der Betrachter*innen.
ALEEN SOLARI & TIMO ROTER
Wir freuen uns bereits sehr auf unsere nächste Ausstellung: eine interdisziplinäre Kollaboration, eine internationale Kombination aus installativer Malerei von Aleen Solari und den Zeichnungen Timo Roters, die in Manila während des Lockdowns entstanden. DAS HÄTTE JEDE IN MEINER SITUATION AUCH GETAN ist der vielversprechende und zum Nachdenken anregende Titel. Mehr dazu in Kürze!
Öffnungszeiten: Mittwoch von 14:00 – 18:00 Uhr, und nach Vereinbarung
Ausstellungsdauer: 9. - 28. Oktober 2020
3. - 30. September 2020
Öl, Kohle und Gas treiben die Weltwirtschaft an – doch welchen Preis zahlen Umwelt und die Menschen an jenen Orten, an denen die Rohstoffe aus der Erde geholt werden? Der Hamburger Fotograf Robin Hinsch ist für WAHALA an diese Orte gefahren. Seine Arbeit legt die Ausbeutungsmechanismen hinter der Förderung fossiler Brennstoffe offen und dokumentiert, dass es zwischen der Zerstörung von Umwelt und Gewalt gegen Menschen keinen prinzipiellen Unterschied gibt. Hinsch legt mit seinen Fotografien die Widersprüche des Versprechens von ewigem Wachstum offen und zeigt, wie sehr das System des fossilen Kapitalismus unter seiner eigenen Last ächzt.Die Erde existiert seit viereinhalb Milliarden Jahren, Menschen gibt es seit rund 300.000 Jahren. Der Homo sapiens begann vor rund 11.000 Jahren mit Ackerbau und Viehzucht und vor 250 Jahren damit, versteinerte Wälder in Form von Kohle aus der Erde zu holen. Bis heute ist es vor allem solches fossiles Pflanzenmaterial, das unsere Kraftwerke, unsere Flugzeuge und unseren elektrischen Zahnbürsten antreibt. In einem erdgeschichtlichen Augenzwinkern setzen wir dabei die Energie frei, die einst vor vielen Millionen Jahren entstanden ist.
In der Geschichte der Erde ist das ein einmaliger Moment: dass sich die Tiefenzeit des Planeten mit dem Zeithorizont einer einzelnen Art überkreuzt, die dadurch selbst zum beherrschenden geologischen Faktor aufsteigt. Der Homo sapiens ist so mächtig geworden, dass sein Aufstieg ein neues Erdzeitalter markiert - das Anthropozän.
Der kleinste gemeinsame Nenner dieser Entwicklung ist Kohlenstoffdioxid. CO2 ist die Einheit des Zeitalters des Menschen. Als farb- und geruchloses Molekül können die menschlichen Sinne es nicht wahrnehmen. Das ist die erste Dimension der Unsichtbarkeit der Krise: das Nichtsehenkönnen.
Die zweite Dimension ist selbst gewählt: Sie hat mit globalen Machtverhältnissen und den Mechanismen von kapitalistischer Ausbeutung zu tun. Hier entscheidet sich die Mehrheitsgesellschaft, die vom Verbrennen billiger Rohstoffe profitiert dafür, die Konsequenzen zu verdrängen. Das ist das Nichtsehenwollen.
An dieser Stelle setzen die Arbeiten des Hamburger Fotografen Robin Hinsch an. Für WAHALA ist er an jene Orte gereist, an denen Erdöl und -gas, Braun- und Steinkohle an die Erdoberfläche geholt werden. Diese Orte liegen gleichermaßen im Zentrum des globalen Extraktionskapitalismus als auch in seiner Peripherie. Zentral, weil von hier die Brennstoffe der globalen Wirtschaft kommen, die alles antreiben. Peripher, weil sie sacrificed areas sind, geopferte Zonen: Gebiete, an denen langfristige Schäden an Umwelt und Menschen in Kauf genommen werden, weil das andernorts Gewinne ermöglicht. WAHALA zeigt, dass die Apokalypse dort schon begonnen hat, auch wenn es einem als Konsumenten leicht gemacht wird, das nicht zu sehen. Die Brutalität dieser Orte schafft es selten ins Bewusstsein. Für die Menschen auf den Bildern von Robin Hinsch hingegen sind sie Alltag. Sie haben keine Stimme bei der Entscheidung, ob ihre Heimat zu einer geopferten Zone wird. Stattdessen werden sie mitgeopfert und als Kollateralschäden in Kauf genommen. Was WAHALA zeigt: Zwischen der Zerstörung von Natur und der Gewalt gegen Menschen gibt es keinen prinzipiellen Unterschied. Je genauer man hinsieht, desto unschärfer wird die Trennung.
Bei seinen Recherchen offenbarte sich Robin Hinsch eine Praxis, die besonders seit der Mitte des vergangenen Jahrhunderts massive Schäden auf der Erde verursacht hat. Das dahinterliegende, unter sich selbst ächzende System führt kolonialer Muster fort und kann sich nur durch immer massivere Ausbeutung von Menschen und Natur am Leben erhalten.
Hinsch war in den Jharia-Kohlefelder in Indien, die seit einem Jahrhundert vor sich hin brennen und deren giftiger Rauch jedes Kind, jede Frau, jeder Mann Tag für Tag einatmen muss. Er bereiste die Tagebaugegenden Ostdeutschlands, für deren Abbau noch immer ganze Dörfer aufgegeben und die Bewohner teils gegen ihren Willen umgesiedelt werden. Im schwer zugänglichen Niger-Delta in Nigeria traf er auf Glücksritter und Verzweifelte, die in einer apokalyptischen Welt leben, in der Öl und Gas nicht nur Natur, sondern auch Leben zerstören. In den Kohlerevieren Polens zeigte sich ihm ein Paradox: Obwohl die Bewohner vom jahrzehntelangen Abbau vernarbt waren, hoffen sie trotzdem, noch so lange wie möglich Kohle fördern zu dürfen – es sind Muster einer totalen Abhängigkeit.
In ihrer Internationalen Klassifikation der Krankheiten hat die Weltgesundheitsorganisation sechs Kriterien definiert, wann bei einem Patienten eine Suchtstörung vorliegt:
ein starker Wunsch oder Zwang, eine Substanz zu konsumieren
eine verminderte Kontrollfähigkeit bezüglich des Beginns, der Menge oder der Beendigung der Einnahme
körperliche Entzugserscheinungen
Wirkverlust oder Dosissteigerung
ein erhöhter Zeitaufwand, um die Substanz zu beschaffen
fortgesetzter Konsum trotz Folgeschäden
Werden drei der Kriterien erfüllt, liegt eine Störung vor. Wird sie nicht behandelt, kann sie schwere körperliche und psychische Schäden verursachen.
WAHALA zeigt, wie sehr die Nachfrage nach Kohle, Gas und Öl zu einer selbstzerstörerischen Sucht geworden ist. Nicht nur wir konsumieren fossile Rohstoffe, fossile Rohstoffe konsumieren Landschaften und die Lebensgrundlagen von Menschen. Während anderswo die Erzählung von Wohlstand und Aufstieg dominiert, lenkt Robin Hinsch die Aufmerksamkeit auf die verdrängten Kosten für diesen Reichtum. Die größte Kraft entwickelt WAHALA dort, wo es zeigt, dass die Apokalypse keine diffuse Projektion der Zukunft ist. An manchen Orten hat sie längst begonnen. Nur wer es sich leisten kann, kann von dieser Erkenntnis überrascht sein. Fritz Habekuß
Fritz Habekuß, Jahrgang 1990, ist Redakteur der ZEIT und beschäftigt sich mit dem Verhältnis von Mensch und Natur. 2020 erschien der Bestseller "Über Leben - Zukunftsfrage Artensterben" (Fritz Habekuß & Dirk Steffens).
Die Welt ist Ganz: Von A bis Z (Teil 2)
Ausstellungsdauer: 6.6. bis 8.8.2020
Häschen in der Grube, wer hat das Alphabet erfunden? Das weiß kein Mensch, auch kein toter Hase, oder ist uns das entgangen? Und Wiki kann da nicht weiterhelfen. Trotzdem, ach was, gerade deshalb nehmen wir diese auf die Reihe gebrachte Anordnung inhaltsverheißender Zeichen ein weiteres Mal dazu her, eine schöne Struktur in unsere kleine Weltausstellung zu bringen. Die Galerie führt damit auch ihre Tradition der inhaltlich motivierten Gruppenausstellungen weiter. Damit die Menschen kommen und sich interessiert miteinander verständigen können.
A Jürgen Albrecht
B Mariola Brillowska, Tim Bruening, Joachim Franz Büchner
C Chapel of Thirst
D Ulla Deventer, Katharina Duve
E Egal
F Christoph Faulhaber, Asana Fujikawa
G Corrina Goutos
H Jessica Herden, Robin Hinsch, Christian Hoosen
I Verena Issel
J Soyon Jung, Marcus Junge
K Nadine Kles
L Clemencia Labin, Barbara Lüdde
M Dirk Meinzer, Max Müller
N Franziska Nast, Frank Nikol
O Gerlind Øye
P Johanna Ploch
Q Quarantäne
R Rossology, Tex Rubinowitz
S Peter Sempel, Marcus Sendlinger, Jakob Sinn, Aleen Solari, Fynn Steiner, Malte Struck
T Andrea Tippel
U Ugurlu
V Nina Venus, Sergej Vutuc
W Margaux Weiß, Astrid Wettstein
X Mr. / Mrs. X
Y Yves Saint Laurent
Z Zobel
Statistik:
19 Frauen
16 Männer
2 Begriffe
2 Bürgermeister
2 Mona Lisas
2 Publikationen
1 Sekte
1 Segte
1 Tier
1 Arzt
1 Modedesigner
1 Mr. / Mrs. X
Veronica Burnuthian
Zur Eröffnung gibt es eine Performance mit Veronica Burnuthian und Fabian Beger, danach und davor DJ Vander.
Sie lässt sich nicht zähmen, bürsten oder von der Kunstaristokratie kultivieren. Sie liebt die Lautstärke, das Schreien und das Exzessive. Ihre Gegen-Richtung bezeichnet sie selbst als „Sonderschule München“. Ihre Arbeit im Münchener Underground ist befeuert durch Dadaismus, Punk und DIY Kultur. In ihren Bands Markus und Friends of Gas verkörpert sie in ihren eigenen Worten „dadaistische Antimusik, Bruitismus und Sabotage“. Seit 2016 studiert Veronica „Katta“ Burnuthian in der berüchtigten „Klasse Oehlen“ unter dem zeitgenössischen Künstler und Professor Markus Oehlen, der einmal meinte, ihre Arbeiten seien wie Free Jazz, wie eine Instant Composition.
Wenn sie malt, befreit sich Veronica von allem und komponiert intuitiv wie im Rausch. In ihrer manchmal manischen Art begibt sich Burnuthian gefährlich nah an die Sonne, in schwindelnde Höhen, aber auch in finstere Löcher und tiefe Abgründe. Orte und extreme Zustände, denen sich nach wie vor nur die mutigsten Rebellen aussetzen. Wenn man so will, ist sie dort, um uns etwas zu zeigen: den Rausch. In Burnuthians Wimmelbildern kondensieren Raum und Zeit zu einem Flirren. Komik und Tragik sind drin in diesen bunten, abstrakten Akkumulationen und Verdichtungen. Angst zeichnet sich ab, die Überforderung wird schier greifbar… Aber es gibt immer einen Ausweg in diesem Labyrinth der Irrationalität, das in gewisser Hinsicht realistischer ist als jedes Foto. Man muss nur lange genug suchen und das Auge muss sich an das Grelle und die scharfen Kontraste gewöhnen.
Wir staunen über und verzweifeln an der heftigen Wirkung dieser rücksichtslosen Kombination aus Zeichnung und Malerei: Unschuldig wirkende Kinder-Tupfer und Kringel werden durch
schwarzes Gekrakel bedroht und durch toxische Farbschattierungen unterwandert, überbelichtet und zerstoben. Im nächsten Augenblick behauptet sich schon wieder das Zerbrechliche. Zeigt Veronica etwa Momentaufnahmen aus einem bizarr anmutenden Lebenszyklus? Wir nehmen Fahrt auf an geschwungenen Linien, Bögen und Spiralen und verletzen uns an spitzen Kanten auf einer Fallbeilsymphonie ins Paradies. Wir starren staunend auf irisierende Gewölbe, psychedelische Feuerbälle und Tausende kleiner lockiger, verspielter Mikrokosmen. Auf sich allein gestellte Tiere und menschliche Antlitze schauen sich an, nehmen Haltung zueinander ein und verschwinden schließlich gestenreich im Segen. Mit nur wenigen Strichen und Formen erreicht Burnuthian in den Details oft bereits eine erstaunliche Ausdruckskraft. Eine rätselhafte Symmetrie mit eigenen Regeln im Großen und Ganzen lässt ungezwungene Schönheit erblühen. Die Unmittelbarkeit ist ein weiterer Faktor. Ein unbekümmerter Instinkt prahlt stellenweise geradezu mit seiner eigenen Fehlbarkeit, als ob der Fehler König wäre. Lassen wir uns aber nicht täuschen: Die Triebfeder der jungen Künstlerin ist von äußerster Feinheit und Schärfe.
Neben vielen gerahmten Werken wird bei der Vernissage am 30. Januar bei Melike Bilir auch eine prominente Wandmalerei zu sehen sein, die Burnuthian kurz vor der Eröffnung fertigstellen wird! Mit ihrem Bandkollegen Fabian Beger in der Band „Markus“ spielt sie am Abend der Vernissage ein Konzert mit treibenden noisigen Beats aus analogen Synthesizern mit Gesang. Die armenisch-stämmige, in Brüssel geborene Künstlerin zeigt uns, wie produktiv Verweigerung auch 2020 noch sein kann.
Jenseits jeglicher Kalkulation auf Verwertbarkeit entsteht ein neuer verzerrter Kosmos bei Melike Bilir, den ganz allein Burnuthian mit ihrer extremen Sichtweise der alten Welt abtrotzen konnte, in dem alle Wirren magisch verklärt sind und gleichzeitig brutal hervortreten. Lassen wir uns darauf ein, schenken uns Burnuthians Bilder Erlösung. Zustimmung ist aber nur mit einem klaren „Nein!“ möglich. Von dem her: „Let me hear you say „No“!“ (Joachim Franz Büchner)
Lutz Nikolaus Kratzer und Gäste
Our private India - Eine interaktive Musikperformance und Echtzeit-Komposition von und mit Lutz Nikolaus Kratzer im Rahmen der India Week 2019.
Anschliessend findet ein Konzert mit Chad Popple und John Hughes statt.
'Our private India' setzt sich aus einem eigens für diese Veranstaltung zusammengestellten Quartett aus Musikern und Künstlern zusammen, die sich bereits jeweils intensiv mit Indien beschäftigten und sich nun als musikalisch- künstlerisches Kollektiv zusammentun, um die Performance bei unterschiedlichen deutsch-indischen Anlässen im In- und Ausland zur Aufführung zu bringen. Der Performance liegt keine klar fixierte Inszenierung zugrunde, sie entsteht vor Ort und im Verbund mit allen Anwesenden. Lutz Nikolaus Kratzer führt moderierend und dirigierend durch das lebendige Klangexperiment und wird unterstützt durch instrumentelle Einlagen von Chad Popple, John Hughes und Carl John Hoffmann.
Lutz Nikolaus Kratzer (Echtzeitkomposition, Tabla, Visuelle Umsetzung)
Chad Popple (Indische Tabla, Percussions)
John Hughes (Kontrabass)
Carl-John Hoffmann (Multimediale Verknüpfung, Modifikation klassischer indischer Musikinstrumente)
Der Tourismus-Slogan 'My India' fördert in Indien ein Identitätsgefühl und lädt Touristen ein, den Subkontinent zu entdecken und sich ein eigenes Bild und Erfahrungen zu machen, das Land für sich zu erschließen. Der Name „My private India“ steht für ein höchst subjektives Erleben von Indien als auch für Interpretationen, Projektionen und sich den daraus ergebenden Vorurteilen.
Wie die meisten Besucher*innen des Abends wissen werden, ist Indien ein gigantisches multiethnisches Land mit einer beinahe unvorstellbaren kulturellen Vielfalt, in dem über hundert Sprachen gesprochen werden. Vollständig erfasst und gekannt werden kann es selbstverständlich von niemandem. Die interaktive Musikperformance „My private India“ möchte genau dies zum Thema machen und die unüberschaubare Fülle des zu Entdeckenden als sinnlichen Erfahrungsraum kollaborativ aufbereiten. Im Mittelpunkt stehen die schier unendlichen Möglichkeiten und Vorstellungen, die Schönheit des Unberechenbaren und der
Missverständnisse, wenn sich an einem Abend äußerst diverse Sichtweisen und unterschiedliche Wissensstände über Indien und seinen Musikkosmos akkumulieren. Es soll im Miteinander aller Anwesender über das Verhältnis von Musik, Bildern, Körpern und Bewegungen im Galerieraum ein dicht gewebter, vielschichtiger Klang- und Geräuschteppich mit unzähligen Knotenpunkten und Klangverknüpfungen aus Harmonien und Dissonanzen entstehen.
Ziel des Abends ist es, ein lebendiges Klangbild und synästhetisches Erleben zu erschaffen, in dem die Eindrücke über Indien von sämtlichen Besucher*innen mit ihren je spezifischen kulturellen Identitäten, persönlichen Erfahrungen, potentiellem Wissen oder musikalischen Kenntnissen performativ eingebunden werden. Egal, ob jemand aus Indien stammt oder nicht, Profimusiker oder Laie ist: Jede und jeder ist eingeladen sich an den Instrumenten auszuprobieren, ihnen Klänge zu entlocken, mitzugestalten oder nur zuzuhören. All diese von vielen als exotisch empfundenen Töne und Geräusche der Instrumente, aber auch spontane Wortbeiträge, werden in Echtzeit aufgezeichnet und technisch modifiziert in die akustische Umgebung eingeflochten. Das Klangbild wird im Verlauf des Abends und nach jedem neuen Beitrag immer vielschichtiger. Es wird dabei eine Live-Komposition angestrebt, die von Lutz Nikolaus Kratzer in situ arrangiert, rhythmisiert, besänftigt oder auf die Spitze getrieben wird. Alle treten in einen spielerischen, bisweilen unausgesprochenen und abstrakten Dialog, der über die Sprache hinausgeht und Grenzen überwinden soll und sich aus Erfahrungen, Erwartungen, Fiktionen, Imaginationen, Hoffnungen zusammensetzt. Das Produkt dieser ortsspezifischen Zusammenkunft ist jederzeit tatsächlich greifbar und hörbar.
Horizonterweiterung ist das ebenso ehrgeizige wie realistische Ziel dieses experimentellen Abends, der jede Zuschauerin und jeden Zuschauer garantiert auf eine anregende, humorvolle Reise in den Musikkosmos von „Our private India“ mitnimmt und in einen Dialog mit interessierten und kundigen Menschen schickt. Konfrontiert mit Vorurteilen, Wahrheiten, Hoffnungen und neuen Erkenntnissen. So entsteht ein zeitgemäß medial verknüpfter Mikrokosmos aus Behauptung, Wahrnehmung, Aneignung und Experiment. Aus „My private India“ wird UNSER privates Indien („Our private India“): ein polyphoner Zusammenklang aller subjektiven Versionen Indiens im kollektiven Bewusstsein dieses ungewöhnlichen Abends in der Galerie Melike Bilir.
Gefördert vom Musikfonds e. V. mit Projektmitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien und der Kulturbehörde Hamburg.
Mit Freundlicher Unterstützung der Kulturbehörde Hamburg.
Special Thanks to: Julia Dautel & Julie-Ann Shiraishi!
Einsiedel & Jung
Thank you, please visit again
2.11. - 14.11. 2019
Das Hamburger Künstlerduo Marc Einsiedel und Felix Jung zeigt am Freitag, den 1. November bei Melike Bilir im Rahmen der India Week Hamburg das Ergebnis seiner Forschungsreise nach Sikkim, traditionelles Königreich und zweitjüngster Bundesstaat Indiens. Der Ausgangspunkt war die Hauptstadt Gangtok auf einer Höhe von 1800 Metern, um dort die zahlreichen ethnischen Gruppen, Traditionen, sowie die Architektur und deren Unterschiede und Gemeinsamkeiten zu erforschen.
Inspirieren ließen sich Einsiedel und Jung einerseits durch die die klaren farblichen Visionen und die prägnante Architektur des höchst stylishen Königs Chogyal Palden, dem 12., der die Region als letzter König der Chagyal-Dynastie modernisierte und in Ihrer dezidiert nachhaltigen Ausrichtung Mitte des 20. Jahrhundert entscheidend prägte. Andererseits interessierte sie die kulturelle Vielschichtigkeit Sikkims aufgrund seiner geografischen Lage, umrahmt von den Nachbarländern China, Nepal und Bhutan, die es in seiner Alltagskultur und seinen Lebensentwürfen vom Rest Indiens deutlich absetzt. Sie erschaffen eine Rauminstallation, die den Galerieraum in einen Mikrokosmos der kulturellen Kontraste und Widersprüche verwandelt und den Clash zwischen der klaren, freundlichen und hellen Farbgebung traditioneller buddhistisch bemusterter Textilien und grellen Marken Plagiaten sichtbar macht. Live und in situ kreuzt sich dabei die touristische Erfahrung mit der des Künstlers. Das Gesehene wird hierfür zu einer neuen Bildwelt transformiert und diese touristische Sichtweise auf den Ausstellungsbesucher übertragen, der sich nun in einer ihm fremden (Kunst-)Welt zurechtfinden muss.
Wie bereits auf ihren beiden vorherigen Reisen nach Indien, Jaipur 2016 und die Küste Goas 2017, haben die beiden Hamburger ihr Hauptaugenmerk auf den inländischen Tourismus Indiens und dessen Auswirkungen auf deren Kultur gelegt und sich auf die drei Themenfelder Tourismus, Nachhaltigkeit und Identität fokussiert:
Das Hamburger Künstlerduo Marc Einsiedel und Felix Jung ist bekannt geworden für seine hintersinnigen und oft spektakulären Interventionen im öffentlichen Raum, bei denen urbane Zustände scheinbar beiläufig kommentiert und verändert werden. Für sie geht es darum, den Raum zu erleben, um ihn dann mit Prozessen des Hinzufügens, Zweckentfremdens und Recycelns auszuarbeiten. Sie zeigen so, auf performative Weise oder mit verschiedensten (Bau)materialien arbeitend, Themen, die sie faszinieren, in Vergessenheit geratene Missstände und besondere Kontraste an Orten.
Mariola Brillowska
Planet Flamboyanz - Videopremiere & Ausstellung
20.10.2019 18:00 - 21:00 Uhr
„Stereo Total" / Françoise Cactus, Brezel Göring
„Ich bin hier" / Damian Müller, Peter Weinig, C. Debérn
Mariola Brillowska, die Hamburger Undergroundpionierin, Filmemacherin, Malerin und Autorin (Markenzeichen: Flamboyanz!) überrascht immer wieder mit bewährten Genialitäten und neuen Ideen. Ihr neuster Streich: zwei Musikvideos für die Berliner Band „Stereo Total“ um die Sängerin Françoise Cactus, gerade frisch in die deutschen Album-Charts eingestiegen.
Die Musikvideos „Hass Satellit“ und „Ich bin cool“ drehte die deutsch-polnische Künstlerin mit dem deutsch-französischen Elektropopduo und der inklusiven, von der Pestalozzi Stiftung Hamburg betreuten Künstlergruppe und Band „Ich bin hier“. Zur Premiere der Videos tritt „Ich bin hier“ zusammen mit „Stereo Total“ live auf. Exklusiv zeigt Melike Bilir in ihrer Galerie Mariola Brillowskas Artworks aus den Videos. Auch dabei: die lebensgroße legendäre Häkelpuppe „Wollita“ - von „Stereo Total“ Sängerin Cactus höchstpersönlich erschaffen.
Clemencia Labin
Flesh Coralino
6.9. – 13.10.2019
Weiche Stoffe, Formen und Körper aus der Karibik eröffnen eine neue tropikalische Welt und neue Sichtweisen auf Südamerika.
Die Malerin und Performance-Künstlerin Clemencia Labin aus Maracaibo, Venezuala, zeigt in ihrer Ausstellung „Flesh Coralino“, vom 5. September bis 13. Oktober 2019, Bildobjekte und Skulpturen bei Melike Bilir. Ihre Arbeiten, aus Bikini Lycra und Nylon Strümpfen, geformt und vernäht, teilweise mit Acrylfarbe bemalt, verweisen in ihrer Farbgebung auf ein ikonisches Bild der südamerikanischen Volksmythologie. Es zeigt die heilige Maria Lionza in ihrer kraftvollen und edlen Nacktheit auf einem schwarzen Tapir reitend und dabei einen goldenen Becher in den Himmel reckend. Der Maria-Lionza-Kult ist ein Heilungsritual, das sich vornehmlich in Venezuela aus den ethnischen Religionen Venezuelas, Elementen des Katholizismus und dem afrikanischen Voodoo entwickelt hat.
Schon seit ihren Anfängen in Maracaibo mit seinen Umzügen, Festivals und Bräuchen, hat Labin einen freudigen, das Publikum einbeziehenden Ansatz verinnerlicht, den sie mit Flesh Coralino trotz aller Erfahrung und Erfolgen in internationalen Ausstellungen und langjähriger neugieriger Verfeinerung ihrer Kunst unbekümmert fortführt.
Mit dieser spielerischen Lebensfreude und Energie setzt sich die Künstlerin mit einer eigenen universell verständlichen Sprache für ein Verständnis ihrer Kultur jenseits eines kolonialistischen Weltbildes ein, stets im Bewusstsein um ein kollektives Gedächtnis. Im Jahr 2000 etwa initiierte sie in ihrer Heimatstadt das Ausstellungsprojekt „Velada Santa Lucía", das sich über 13 Jahre zu einem über die Grenzen Venezuelas hinaus bekannten Kunstfestival entwickelte. 2011 repräsentierte Labin mit diesem Projekt Venezuela auf der 54. Biennale von Venedig. 2019 führte sie auf der Biennale im Sinne der Demokratie den Protest gegen das Maduro-Regime an.
Clemencia Labin sieht sich immer zunächst als Malerin, die mit formbaren Stoffen experimentell arbeitet und diese intuitiv und humorvoll mit Techniken und Konzepten aus der westlichen Moderne verbindet. Sie treibt gerne auf die Spitze, bis etwas Magisches und unerhört Schönes entsteht. Ihre Energie lässt sich nicht in zwei Dimensionen bändigen und so gestaltet Labin in ihrer eigenen tropikalischen „Pulpa Chic World“ einen üppigen, überschwänglichen, manchmal barock anmutenden Raum mit kräftigen Farben und weichen Formen, die sie selbst als genuin „karibisch“ beschreibt. Dieser Sinn für intuitive Komposition offenbart sich in den Pulpa, jenen organischen, an Fruchtfleisch erinnernden flauschigen Formen, die sich bewegen, wachsen und in der Wahrnehmung des Betrachters tanzen, wie Korallen im Meer. Sie verleihen dem Werk seine dezidiert körperliche Dimension, die deutlich weicher und verletzlicher ist, als wir es gewohnt sind und die ganz nebenbei unsere Sehgewohnheiten infrage stellt, Konventionen ironisiert und klischeehaften männlichen Chauvinismus als überkommenes Idealbild verspottet. So tauchen wir tief ein in die warme Welt der Korallen, die mit uns zu sprechen scheinen, uns sanft umspülen und sich liebevoll anschmiegen wollen. Wir geben uns einem rauschhaften Erleben hin, das vitalisiert und die Vorstellungskraft anregt, nicht zuletzt, um bestehende Annahmen, wie moderne Kunst zu sein habe, vor dem inneren Auge verschwimmen zu lassen. (Joachim Franz Büchner)
Daniel Spoerri & Tex Rubinowitz
23.5. - 20.6. 2019
Liebe Kunstfreunde, liebe Freunde der Galerie, Melike Bilir präsentiert anlässlich ihrer Neueröffnung eine besondere Ausstellung zweier in Wien lebender Größen und Generationen des feinsinnigen Renegatentums und versatilen Pioniergeists! Daniel Spoerri und Tex Rubinowitz zeigen ab dem 23.5. textile Objekte, die einen erkenntnisreichen Blick in den Narrenspiegel erlauben. Mit der Bemerkung „Kannst haben, Drecksbüebli“ überließ Daniel Spoerri, Grandseignieur der Avantgarde-Kunst, seinem Freund, dem Autor und Zeichner Tex Rubinowitz, die zerschnittenen Reste mit Sinnsprüchen bestickter Tücher, aus denen bereits seine „Fadenscheinigen Orakel“ entstanden waren. Rubinowitz verarbeitete diese weiter und entwarf eine Parallelwelt der Unlogik, die „Tarnsätze“. Gemeinsam ist beiden Serien, dass Sie volkstümliche Weisheiten und einfältigen Kitsch gegen alle Regeln der Kunst und mit Hilfe des Zufalls dekonstruieren.
Tarnsätze, Tex Rubinowitz: Tex Rubinowitz, preisgekrönter Autor unglaublicher Reiseberichte, begnadeter Chronist absurder Realität, Witzezeichner und Musiker wendet sich das erste Mal der Textilkunst zu. Als leidenschaftlicher Kommunikator versieht er sein Material mit Text, inspiriert von den Sinnsprüchen und vermeintlichen Wahrheiten, die einmal auf den Stoff gestickt waren, und zielt auf die Wirkung beim Betrachter ab. Tex’ „Tarnsätze“ funktionieren wie ein geistiger Reflextest mit hintersinniger Falle. Sie spielen mit Redensarten, die so abgegriffen sind, dass man sie im Leben nicht benutzen würde. Unter dem Motto „je belangloser und konsensueller, desto besser“ erforschen sie, was im Gehirn des Betrachters entsteht, nur um es mit einer unverschämten Verdrehung in die Irre zu führen, eine Parallelwelt der Unlogik entstehen zu lassen. Im Stile eines Mimikry tarnen sich die Sätze und schleichen sich ins Unterbewusstsein. Durch geschickte Tarnung wird das Unlogische zu einer unhaltbaren Wahrheit. Das Spannende und Erfrischende: Die Unsicherheit des Gehirns, wenn es versucht, die trivialen Sätze zu komplettieren, hat Tex direkt in seine Arbeitstechnik mit der Maschine übersetzt. Man sieht den Objekten an, dass hier mit Beliebigkeit gearbeitet wird. Ganz bewusst überlässt er einen Teil des Ausgangs dem Zufall und gibt die Kontrolle trotzig an den Lauf der Dinge ab!
Fadenscheinige Orakel, Daniel Spoerri: Vor acht Jahren sammelte der in Wien lebende frühere Tänzer, Regisseur, Herausgeber von Zeitschriften und bildende Künstler Daniel Spoerri auf Kur in Oberösterreich bei verschiedenen Trödlern und Flohmärkten Tücher, die ursprünglich, mit volkstümlichen Weisheiten bestickt, Heim und Herd in Bauernhäusern verschönern sollten. Die Gottergebenheit, der einfältige Kitsch, die beschönigenden Lügen und der Fleiß, der hinter den Textilarbeiten stand, riefen in ihm eine Mischung aus Rührung und Ekel hervor. Es entstand der Impuls, sie auseinanderzuschneiden und nach Wortarten zu sortieren. Ganze Stapel von Wörtern wie „Gott“, „Maria“ und „Jesu“ kamen dabei zusammen. Ausgebreitet auf einem großen Tisch wurden sie zu seinem meditativen Puzzlespielplatz. Dabei entstanden durch Kombination und Intuition Satzkompositionen: eine neue Realität und wahre Wortlawine. Zusammen mit seiner Köchin Silke Eggl, die sich zufälligerweise auch als Schneidermeisterin und Stickerin herausstellte, wurden die Sätze auf den Tüchern neu vernäht und die genau 100 „fadenscheinigen Orakel“ entstanden, deren schicksalhafte Wirkung auf den Betrachter noch unerforscht ist. (Joachim Franz Büchner)